Ceci débute pourtant un processus d'idéalisation de la forme subtilement intellectualiste ». 1914: Après Roue de bicyclette (1913), composée d’une roue et d’un tabouret de cuisine, Marcel Duchamp invente son premier ready-made, Porte-bouteilles, un objet tout fait acheté au Bazar de l’Hôtel de Ville, à Paris. Notices dans des dictionnaires ou encyclopédies généralistes, Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, Affaire de présumés faux tableaux d'art ancien, Parmigianino ou l'inquiétude, par Pascal Bonafoux, professeur d'histoire de l'art à l'université de Paris VIII-Saint-Denis, Parmigianino et l'alchimie dans les fresques de Fontanellato, Réseau des bibliothèques de Suisse occidentale, Portrait de Pier Maria Rossi di San Secondo, Portrait de Camilla Gonzague et ses trois fils, https://fr.wikipedia.org/w/index.php?title=Parmigianino&oldid=176814902, Peintre italien de la Renaissance tardive, Article contenant un appel à traduction en anglais, Catégorie Commons avec lien local identique sur Wikidata, Article de Wikipédia avec notice d'autorité, Page pointant vers des bases relatives aux beaux-arts, Page pointant vers des dictionnaires ou encyclopédies généralistes, Portail:Biographie/Articles liés/Peinture, licence Creative Commons attribution, partage dans les mêmes conditions, comment citer les auteurs et mentionner la licence, La décoration de la quatrième chapelle est confiée le, Intérieur d'église avec la "Présentation au temple". Condé sur l'Escaut), Composition C’est son premier exemple de portrait mais on ne connaît pas le nom de l’homme, reconnu comme collectionneur par les objets d'art représentés sur la table. ». Dernière modification de cette page le 4 février 2021 à 07:15. Poirier. Il fit cette œuvre pour un certain Fabrizio da Milano dont il a fait le portrait les mains jointes et qui semble vivant. Ce faisant, voyant les effets bizarres que provoque la convexité du miroir… il lui prit l’envie de contrefaire toute chose selon son caprice. C’est l’un des portraits les plus expressifs, et parmi les plus connus, de l’artiste : la sensualité malicieuse du sujet est exaltée par le regard fixé vers l’observateur et par la science de la composition dans l’harmonie volontaire, tout en courbes, qui délimite le visage. N'oublions pas le "déapprentissage". La robe transparente de la Vierge, la pose de l’Enfant aux cheveux bouclés et le bracelet de corail au poignet, les ondulations du rideau, donnent à la peinture une empreinte essentiellement profane, sensuelle même. On en conserve des copies dans la Galerie des Offices à Florence et dans le Walker Art Center de Minneapolis. Sa Majesté l’apprécia beaucoup et exprima le désir qu’on la lui laissât, mais François, mal conseillé par un ami, ou peu fidèle ou peu avisé, dit qu’elle n’était pas encore terminée et qu’il ne voulait la laisser. Accès à la bibliothèque, catalogue en ligne, bibliothèque numérique, outils documentaires, service de questions/réponses Commander une prestation, acheter une publication En complément à l'offre gratuite du site, réponse à vos besoins spécifiques sous forme de prestations payantes faisant l'objet d'un devis Brevet des collèges : une épreuve orale d’histoire des arts (coefficient 2) passée en établissement est désormais prise en compte pour l’attribution du diplôme. Machinima : Fabriquer un film à partir de GTA. Le concept et sa représentation « Après avoir été tant d’années hors de sa patrie et avoir fait de multiples expériences artistiques, seulement auprès d’amis et non en fréquentant l’université, il s’en retourna finalement à Parme pour répondre à l’appel d’amis et de parents. abstraite en couleur, Figures : la bouilloire de Philippe Starck, accumulation Dès son arrivée, il se mit tout de suite au travail sur pour une voûte de la basilique Santa Maria della Steccata, une fresque assez grande. Valeurs Chers collègues, « Pour l’église de Santa Maria dei Servi il fit un tableau de Notre Dame avec son Fils dormant dans ses bras et sur un côté, plusieurs anges dont l’un porte au bras une urne de cristal avec, à l’intérieur, une croix que regarde Notre Dame. À la mort de Filippo, qui survint selon Vasari en 1505, ils prennent soin de Francesco et le dirigent vers l'étude du dessin et de la peinture[7]. (adsbygoogle = window.adsbygoogle || []).push({}); © Copyright 1998-2015 Le mot et l'image Et que peuvent bien vouloir représenter les adolescents et les jeunes garçons rassemblés dans l’angle gauche au premier plan ? Qu’est-ce qu’il y a là-bas, dans le fond ? La médaille sur le chapeau, sur laquelle sont figurées les colonnes d’Hercule, serait aussi une référence alchimique au mythique héros grec. et dématérialisation. Les fresques se composent de quatre scènes, la Nymphe poursuivie des chasseurs, l’Actéon déchiré par ses chiens, l’Actéon transformé en cerf et la Nymphe à l'épi - où l'on représente Paola Gonzaga, la femme de son client Galeazzo Sanvitale - surmontées de la voûte avec les Putti. L’empereur, qui l’aurait sans doute récompensé, ne l’a pas fait. Combien d'adultes savent/peuvent dessiner un bonhomme ? C’est encore Vasari qui donne l’information suivante : « quand l’empereur Charles Quint vint à Bologne pour être couronné par Clément VII, François, en le voyant à l’occasion de ses repas, réalisa, sans l’interrompre, un très grand tableau où la Renommée le couronne de lauriers et où Hercule, sous la forme d’un petit enfant, lui tend le monde comme s’il voulait lui en donner la domination. Le chien lui aussi semble tout naturel comme les paysages qui sont très beaux. Sa première œuvre est, selon Vasari, le Saint Roch et son chien de la basilique San Petronio, « auquel il donna une très belle allure […] en le représentant quelque peu soulagé de sa douleur à la cuisse occasionnée par la peste. Sur la frise, on note « l’habileté de l’orfèvre, la passion pour la fusion des métaux, commune également aux alchimistes, ce feu rouge qui brûle étrangement les coudes des deux hommes qui, indifférents, l’effleurent. petite maison dans la prairie, La Appartenant à la collection parmesane de Ranuccio Farnese et transféré ensuite à Naples en 1734 par le futur Charles Ier, le tableau du Portrait de collectionneur, daté de 1523, se trouve en Angleterre au XIXe siècle et est acquis par la National Gallery de Londres en 1977. Des anges ? Mais, le 3 juin 1538, les marguilliers lui intiment l’ordre de restituer 225 écus pour défaillance. la "qualité" graphique et réflexive des réponses. La maison de vente aux enchères Sotheby's de New York qui avait vendu un Saint-Jérôme attribué à l'entourage du Parmigianino en 2012 pour 842 500 dollars, a remboursé son client en 2015, après que de la phtalocyanine, un pigment synthétique vert, ait été trouvé par la société Orion Analytical sur plus de vingt endroits du tableau. Formes D’autres exemples de la force représentative du jeune artiste, la rigueur descriptive du détail précieux, le relief donné à la singularité du personnage et, à droite, la seule ouverture apparente à la végétation – si touffue qu’elle bloque l’espace et assume la fonction de variation de couleur d'un environnement clos, confirment l'intellectualisme fondamental de l'œuvre. La guerre prend fin en 1521 et Vasari écrit que « la guerre finie, il retourna avec son cousin à Parme […] il fit dans un bois à l'huile la Vierge avec l'Enfant au cou, saint Jérôme d'un côté et le bienheureux Bernard de Feltre de l'autre »[2] - mais l'œuvre est perdue par la suite - et le 21 novembre Parmigianino collabore avec Le Corrège, Rondani et Michelangelo Anselmi aux décorations de l'église de Saint-Jean-l'Évangéliste[4]. ». Son père est le peintre Filippo Mazzola et sa mère - comme le confirment d'autres documents - Maria di ser Guglielmo[3]. On attribua la paternité de ce tableau d’abord Perin del Vaga, puis à Luca Cambiaso et à Girolamo da Treviso, jusqu’à ce que Roberto Longhi la rende enfin à Parmigianino, en reconnaissant les analogies avec la Vierge à l’Enfant du Courtauld Institute de Londres (collection Seilern) et du grand retable de la Vierge à l’Enfant et les saints à Bologne[4]. C'est la formulation qui doit surtout être ajustée ! À sa libération, le peintre quitte Parme et la Confraternité le congédie : par acte notarié du 19 décembre 1539, on note que « le maître Francesco Mazzolo ne pouvait plus, par aucun moyen, s’interposer ou empêcher de réaliser les peintures de la chapelle de la nouvelle église de la Madonna de la Steccata » et le travail est confié à Giulio Romano, qui exécute avec son atelier les autres murs non réalisés par Parmesan (le projet prévoyait, dans l’abside, un Couronnement de la Vierge et la décoration du grand arc du presbytère)[4]. On serait ainsi arrivé là, où devait mener inévitablement ce genre de peinture sacrée : à un culte païen de la beauté ». pensée, les automatismes ! Le tableau, peint en 1527, fut précédé d'un intense travail préparatoire : une vingtaine de dessins font état de la recherche d’une composition satisfaisante. Document du 27 octobre qui atteste que Parmigianino est encore créditeur d’une rémunération qui lui est due. Politique de confidentialité Inconnu avant son attribution à Parmigianino en 1999 par Mario di Giampaolo, un ami de Ruffini, le tableau avait été exposé à Parme, Vienne et au Metropolitan Museum of Art de New York après la vente par Sotheby's et son authenticité reconnue par nombre de spécialistes comme Sylvie Béguin, conservatrice honoraire du musée du Louvre. Saisi par les Français en 1796, il retourne, de Paris à Bologne, en 1815[4]. Si la rose et le globe tenus par l’Enfant devaient représenter le salut du monde opéré par le Christ, selon l'interprétation alchimiste de Fagiolo dell'Arco, la rose, symbole de la rotondité, serait la « métaphore de la réussite de l'opus » et l’œuvre entière représenterait l'Immaculée Conception[4]. » (Ghidiglia Quintavalle). consigne et/ou la création ! Il s’agirait du Vas Mariae, une allusion à la mort du Christ au moment de sa conception, selon l’idée des alchimistes que la naissance correspond à la mort. L’analyse de Hauser de cette peinture est la suivante : « on retrouve l’héritage des bizarreries de Rosso, les formes les plus allongées, les corps les plus élancés, les jambes et les mains les plus minces, le plus délicat visage de la femme et le cou le plus délicieusement modelé et le rapprochement des motifs les plus irrationnels que l’on puisse imaginer, les proportions les plus inconciliables et les formes les plus incohérentes de l’espace. La Vierge est encore parée d’atours extraordinaires, d’une robe aux manches de voile jaune et presque entièrement ornées d'or. Les résultats les plus intéressants ne sont pas forcément Le personnage dominant du Baptiste qui tourne son puissant thorax michelangelesque, en indiquant de manière appuyée le groupe de la Vierge et de l’Enfant qui, debout, - plus adulte que dans les représentations traditionnelles - semble vouloir se détacher de sa mère – enfermée dans une pensée mélancolique – pour suivre le destin auquel il est appelé, tout en n’oubliant pas de prendre une attitude affectée empreinte d’élégance aristocratique. ), contre l'auto-censure, et la censure sociale disparaître ce fragment (continuer), Une affres des placards (travaux oubliés), Abstrait/figuratif c'est à vous de Remplir les blancs (ah, ah). cette énergie n'est pas tournée, à ce moment, vers la Avec une malice perverse, le peintre a exprimé dans les visages des deux enfants – qui semblent être une réflexion sur les Amours du Corrège (mais aussi de raphaël dans la Vierge Sixtine), dans un esprit, certes désormais éloigné de celui-ci, mais en gardant la même aimable spontanéité - une grande fraîcheur qui réussit à mettre en second plan la tension érotique latente et le corps marmoréen du Cupidon, dont les ses ailes qui semblent faites de métal. A partir de ces divisions, tracez les lignes de fuite. « Vieux et peintres de peu de renom » d'après Vasari[2], ses oncles sont en effet de modestes artistes, répétant une peinture provinciale d'origine ferraroise.